Feliz Navidad

Sublime, extraordinario, lleno de imaginación…

Un mundo lleno de imaginación, así era la exposición de Helmut Federle “Esencial”, la presente exposición organizada por la Fundación Bancaja.

Un artista, una gran maestro de lo abstracto. Pinturas. Fotografías. Algunos dibujos.

Una combinación de culturas, todo reflejado a través de figuras geométricas. Pero, aunque asociemos geométrico con frío, pues no, no era el caso.

Eran más bien obras de  inspiración romántica y espirituales. Obras que hablaban entre sí, líneas, cuadrados, figuras que se comunicaban como si de un dialogo se tratara.

 

Resumo lo que vi:

Dos grandes salas. La primera, una gran fuente de inspiración. Bocetos previos y sus primeros trabajos. Una sala blanca, muy blanca, perfectamente iluminada. Lienzos blancos que parece que se fundan sobre la misma pared. Geometrías que asemejan estar pintadas  sobre la misma. Otras obras, de un sublime extraordinario. Solo al acércate a ellas descubres su expresión. Una combinación de círculos concéntricos a fino grafito.

La comunicación entre las dos salas nos descubre sus fotografías. Color a la derecha, blanco y negro a la izquierda.

¡Ah! ¡Se me olvidaba comentar sus esculturas! Una composición de países, una mezcla de culturas. Su pasión por otros mundos.

Caminando por la gran sala iba descubriendo sus obras entre pilares. Blancos pilares monumentales, que armonizaban sus cuadros jugando entre la luz y la sobra. Destacaban tres grandes cuadros.

…Y con esto acabo… El que más me gusto de toda la exposición, para mí, realmente original. Seguimos con formas geométricas… De lejos, yo veía totalmente una figura plana. Conforme me acercaba a la obra, parecía que las figuras tuvieran vida. Existía el movimiento, se formaba una perspectiva.  El dúo de colores era también bonito.

CLOTILDE DE SOROLLA

Ayer tuve la oportunidad de ir a visitar, en el Museo de Bellas Artes de Valencia, la exposición “CLOTILDE DE SOROLLA”.

Quiero mencionar que, antes de entrar en la exposición, me llamó la atención que habían obras expuestas del escultor valenciano Mariano Benlliure Gil, hermano de José Benlliure Gil del cual habíamos ido esa misma mañana a visitar su Casa Museo.

Al entrar en la exposición de Clotilde, llamó mi atención los altos techos y la luz tenue, que albergaba en la sala, iluminando los numerosos cuadros que estaban colgados en unas paredes de color verdoso. Todo esto daba una calidez acogedora al espacio, que hacía que te sintieras a gusto en la sala contemplando las obras.

Joaquín Sorolla fue un artista impresionista valenciano con más de dos mil obras catalogadas.Los cuadros de esta exposición están todos dedicados a su esposa, Clotilde. Sabemos que ella fue modelo constante del artista y de cuyas manos salieron innumerables retratos y dibujos.

Los primeros retratos de Clotilde ya revelan, a pesar de su juventud, la mirada de un espíritu maduro, el que acompañará y apoyará a Joaquín Sorolla en toda su carrera. Según avanzamos en la exposición nos damos cuenta de que está estructurada en cuatro ámbitos cronológicos.

Primeramente nos encontramos con obras realizadas en la intimidad de la familia, cuando Joaquín Sorolla aun no era una artista con fama internacional, y su inspiración se centraba en su casa y su familia.

«Clotilde con sus hijos»

Después vemos como Clotilde fue la modelo favorita de Sorolla, fue su musa, y ella posó como modelo de ella misma para numerosos retratos formales. Seguramente no haya mujer más retratada.Él nunca se cansaba de ella, al igual que ella no se cansaba de hacerle compañía mientras pintaba.

«Retrato de Clotilde»

Más tarde, a partir de 1990, los éxitos de Joaquín Sorolla aumentaron y Clotilde tuvo que adoptar un papel de esposa de hombre famoso y facilitar su trabajo. Hacer una vida más social y acompañar a su marido en numerosos de sus viajes para poder pasar más tiempo junto a él.

«Clotilde observando a Sorolla mientras trabaja»

El último espacio de la exposición lo ocupa documentos y recortes de prensa que reflejan la traumática agonía de Clotilde tras la muerte de Sorolla en 1923. Ella nunca se repuso.

Dos años después de la muerte de su esposo, Clotilde hizo un testamento dejando al Estado la casa familiar con las colecciones que a ella le pertenecían, para que se hiciera un museo en memoria de su marido.

«Retrato del hijo de Sorolla: Joaquín Sorolla García»

En 1929 Clotilde murió y en 1932 se inauguró EL MUSEO SOROLLA, del cual Joaquín Sorolla García,  el único hijo varón del matrimonio, fue el directo. al no haberse casado, tras su muerte, aumentó el legado para la fundación del Museo Sorolla.

Por último quiero mencionar una anécdota de la familia que me llamó la atención, que dice que el rosal amarillo del pórtico de la casa, plantado y pintado por Joaquín Sorolla, y que cuidaba Clotilde, enfermó cuando él murió, y finalmente murió el rosal a la vez que Clotilde.

ANDY WARHOL SUPERSTAR

Hace un par de semanas tuve la oportunidad de ir a visitar la exposición ANDY WARHOL SUPERSTAR  que se presenta en el centro cultural Bancaja de Valencia.

Andy Warhol es sin duda alguna uno de los artistas decisivos de la segunda mitad del siglo XX, exponente del triunfo del Art Pop. A mediados de años sesenta tomó la decisión de centrarse en otras cosas a parte de la pintura, como son las películas, en las que encontraba mayores motivos para divertirse.

Nada más entrar en la exposición, lo que llamó mi atención fue un gran sofá rojo. Este es una recreación del estudio de Warhol conocido como la Factoría. Una cámara grababa el sofá y la imagen se reproducía en la pared de enfrente.

Lo que el artista pretendía en la Factoría era que cualquiera se convirtiera en estrella, bastaba con que la gente entrara y se comportara con naturalidad, pero con una dosis de extravagancia. Warhol decía: “Mucha gente pensaba que era a mi a quien venían a ver a la Factoría, una especie de gran atracción que todo el mundo quería admirar, pero nada más lejos de la realidad, era yo el que observaba a los demás. Yo me limitaba a pagar el alquiler y la gente entraba porque la puerta estaba abierta. Nadie se sentía especialmente interesado en verme a mí, sino en verse los unos a los otros. Venían a ver a quien veían.”

A lo largo de toda la sala de exposiciones iba encontrándome con frases citadas textualmente por Andy y que permiten conocerlo mejor. Dos frases que me llamaron la atención, en las que me gusta lo que dice, son:

– Glenn O’brien le preguntó que de donde sacaba las ideas para sus cuadros y este contesto: “sobre todo pinto retratos, así que solo pinto caras de personas, pero no ideas”

– “Me gusta el dinero en la pared. Supongamos que vas a comprar un cuadro de doscientos mil dólares. Creo que deberíamos coger ese dinero, atarlo y colgarlo de la pared. Así, cuando alguien te visitara, lo primero que vería seria el dinero en la pared.”

Esta segunda frase te hace reflexionar, te dice que el arte no tiene que ser una forma de lucir lo que uno tiene.

Por último quiero mencionar uno de las obras que más llamó mi atención que fue la representación de la Venus de Botticelli en distintos colores, porque la mayoría de sus obras son retratos de personajes famosos y esta no, esta está sacada de obra original de Botticelli.

ANDY WARHOL SUPERSTAR es una exposición muy interesante y entretenida, ideal para poder conocer un poco más a fondo a Andy Warhol y a su obra. Se la recomiendo a todo aquel que sienta algo de curiosidad por el Art Pop. Estará abierta hasta el próximo día 5 de enero

Modernidad

En nuestra escuela (ETSAV) tenemos una sala de exposiciones, actualmente podemos disfrutar de la exposición 20×20.

 

20 obras de arquitectura del siglo 20 de la Comunidad Valenciana.

 En cuanto al contenido, nos muestra 20 obras de la Comunidad Valenciana construidas entre 1925 y 1965. Caracterizadas por responder con el lenguaje de la modernidad y diferenciadas por distintas actitudes de sus arquitectos y otras percepciones de referencias.

Durante estas 3 décadas aparece; una nueva forma de entender la ciudad  y la arquitectura; el hormigón armado como material para estructuras y la edificación abierta que antepone jardines.

Todo esto es lo que se intenta mostrar Carmen Jordá como comisaria de la exposición.

En cuanto a la forma, la exposición está iluminada con luz artificial y natural. Tiene unos grandes ventanales con  dos grades funciones: una interior, iluminación del contenido y otra exterior, mostrar su existencia al público e incitarlo a entrar.

Las obras están colgadas sobre las paredes todas ellas de color blanco, aunque también hay algunas obras que se cuelgan del techo formando una banda horizontal que genera dos circulaciones, produciendo un recorrido para observar la exposición en forma de U. Dejando al espectador envuelto con obras por delante y por detrás en las dos circulaciones principales.

La aventura del pensamiento

Hoy, por fin, me he animado a ir a una exposición, así que he ido a ver La aventura del pensamiento. Se trata de la exposición permanente del Muvim, en la que nos metemos de lleno en la historia del pensamiento desde la Edad Media hasta nuestros días. Los escenarios entre los que transcurre dicha muestra y los guías que nos lo explican hacen que revivamos cada época. Antes que nada os advierto que consiste en un largo texto, carente de fotografías, ya que no estaba permitido hacerlas.

Nos hacen subir al tercer piso, y allí nos sitúan ante una puerta, a cuyo lado encontramos una cuenta atrás, el tiempo que queda para que empiece. Todo da comienzo cuando dicho temporizador se pone en 0, es entonces cuando se abre dicha puerta y aparece un monje con el rostro oculto, nuestro guía. Entramos en un espacio totalmente negro, con algunas paredes que muestran imágenes de las distintas épocas de la historia. De allí, accedemos a un pequeño espacio, que se asemeja a un puente, y al frente del cual se sitúa una pantalla. Empieza hablando del universo, de las preguntas que se han formulado sobre él los grandes ilustrados, de cuyos momentos de lucha nos beneficiamos. Explica como en la Edad Media no había nada fuera de la fe y como en la Ilustración el hombre es la medida de todas las cosas.

Pasamos ahora al lado de las ventanas de un monasterio, entra las que vemos a los monjes realizando sus labores de copistería. Mientras dos de ellos, dialogan sobre cuál es su papel como transmisor del Cristianismo, uno de ellos, Bonifacio, duda que sea bueno copiar manuscritos que contradicen su credo.

Es el momento de avanzar en el tiempo hasta el gran invento de Gutenberg, la imprenta. Dentro de ella nos encontramos, rodeadas de letras de plomo, que se iluminan a ritmo de los golpes o latidos del aparato. Además, bajo nuestros pies hay un cristal soportado por muchos libros. Nos introducimos en un pasillo con estrellas en las paredes, hasta llegar a una sala donde se habla de la concepción del universo y de nuestro planeta, de la gran labor realizada por Copernico y Keppler. Ahora subimos a una sala en la que nos metemos entre los engranajes de un reloj, mientras se nos habla de la aportación de Descartes y Galileo. Bajamos a un espacio cuyo único elemento es una puerta, por la que aparece una muchacha con ropajes más modernos, antes de ello nos explican la evolución de la sociedad hasta llegar al Homocentrismo.

Es hora de llegar a la Ilustración, entrando en una sala con viviendas de la época entre las que podemos ver la vida diaria de la época, mientras nos explican los grandes acontecimientos, pero también en unas pantallas nos muestran la esclavitud y la aparición de la guillotina. Toca descansar en el salón, rodeados de grandes obras de Gainsborough, Canaletto, Hogart, Perroneau, y cómo no, El Columpio de Fragonard. Entramos en un oscuro lugar donde se nos habla de la situación de Europa durante el imperio de Napoleón, es entonces cuando aparece nuestro último guía, un médico de color, quien nos cuenta los grandes acontecimiento de la ciencia y nos dirige a un espacio lleno de televisiones esparcidas que palpitan al ritmo de un corazón y muestran imágenes de grandes hecho de la historia, tanto buenos como malos. Finalmente, llegamos a una sala con un proyector con muchas imágenes y que nos esplica quién es el ser humano. Somos los humanos quienes continuamos nuestro viaje por el universo a bordo de este planeta.

Siento el exceso de texto, pero considero que la única forma de contaros mi experiencia es a través de la descripción de cada uno de los espacios. Y para finalizar, os recomiendo esta visita por sus conseguidos efectos y por la sorpresa que provocan, esta es una muestra de cómo los avances técnicos pueden facilitar la comprensión de la historia anterior.

Guggenheim

Durante mi estancia en Bilbao visité el famoso Museo Guggenheim. Fue una experiencia enriquecedora para mi tanto a la hora de hablar de Arte como de Arquitectura. Pasé cuatro días en Bilbao y dos de ellos los invertí en el museo. La primera tarde me dirigí a observar el gran museo por sus alrededores. Paseé por sus instalaciones exteriores entendiendo poco a poco como se iba formado dicha obra de arte. El segundo día me introduje en su interior y disfruté tanto de la arquitectura del interior como de las obras de arte que se encuentran en él.

Este edificio supone un punto de inflexión para la trama urbana de Bilbao. Fue diseñado por Frank Gehry en los años 90. Todas las construcciones posteriores a esta construcción tienen su inspiración en este edificio, bien por el cerramiento o bien por su forma.

Para mucha gente el edificio en sí es una obra de arte y las obras que forman parte de su colección no están a su altura. Personalmente pude ver una serie de exposiciones, entre ellas: Arquitectura habitada de diversos artistas, El hogar y sus monumentos de Oldenburg y la sala de exposiciones principal con unos diseños de Richard Serra.

En las exposiciones temporales tanto en la Arquitectura habitada como en El hogar y sus monumentos las paredes son blancas y rectas. Además presentaban huecos entre las diferentes plantas a modo de balcones para poder observar las diferentes obras de arte desde distintos puntos de vista.

Por otra parte la sala de exposiciones permanente presenta irregularidades en la cubierta como paredes irregulares.

Ésta es la cubierta de una de ellas.

Por último podéis observar la exposición que se encuentra en dicha sala de exposiciones. Se trata de una obra de arte de Richard Serra. La obra de arte trata de diferentes piezas que presentan diversas formas y está construida de acero.

Always Coca-Cola…

Esta entrada va referida dentro del campo de la publicidad al sector de la publicidad subliminal.

El nacimiento de la publicidad subliminal tal y como hoy la conocemos se remonta al año 1957, cuando el especialista en investigación de mercados James Vicary introdujo las frases “Eat Popcorn” (Come palomitas) y “Drink Coca-Cola” (Bebe Coca-Cola) en el metraje de una película.

Ambas frases aparecían impresas en un único fotograma y su duración era la suficientemente larga para que el espectador las leyera de manera inconsciente, pero demasiado breve para que éste se percatara de ello.

Los anuncios subliminales de Vicary lograron que las ventas de Coca-Cola y palomitas se incrementaran supuestamente en un 18,1% y un 57,8% respectivamente.

 

Pero me quiero meter más con los ejemplos de publicidad que tiene una marca registrada muy conocida por todos nosotros, la cual hace unos increíbles anuncios, y que cautivan a mucha gente, entre ellos a mí.

 

Ahora pondré algunos ejemplos sobre tipos de publicidad subliminal en este tipo de marca, los cuales llaman mucho la atención.

Decir, que bajo mi punto de vista, este tipo de publicidad está dirigida para un público muy amplio pero, entendido por un reducido público.

 

Esta imagen publicitaria de coca-cola se publicó por Australia a mitades de los 80 y no fué hasta que se puso en la parte trasera de un camión cuando alguien se dió cuenta. Luego el autor confesó que simplemente lo puso ahí como una pequeña broma.

 

Esta imagen pertenece a la pelicula «El señor de los anillos»,en el se pueden ver claramente la palabra coca cola en el anillo.

 

En esta imagen se es capas de observar que las letras con las cuales esta escrito coca-cola forman 2 caras,o también forman una persona de cuerpo completo,este es uno de los pocos que pueden comprobar ustedes mismos en cualquier lata o etiqueta de una botella de coca-cola.

 

Esta imagen sorprende mucho ya que no te percatas de que existía, de lo cerca que lo tienes. Miren lo que pasa cuando uno invierte el nombre coca-cola, aparecen las palabras «alo diabo»,lo que fácilmente se podría interpretar como «alo diablo».

Las imágenes anteriores pienso que son un claro ejemplo de publicidad subliminal, a partir de estos anuncios se llega más a la finalidad que los publicistas desean; y por este motivo me han parecido interesantes compartirlas con vosotros.

Ahora, y para terminar, adjunto un video de uno de los anuncios de Coca-Cola.

Un anuncio como antes he citado, “Para Todos” Personalmente me atrae mucho este tipo de anuncio, ya que refleja perfectamente que una simple marca, y con solo un objeto, que es su botella y su bote, o su slogan pueden llegar  a tantas personas.

 

Volando…

Me gusta esta foto esta tomada desde el avión, no pude evitar disparar cuando mire por la ventana.

Es una foto de paisaje salvaje, destaca el celaje azul intenso que parece estar muy cerca. La tomé en Diciembre, en la estación más fría del año esto se observa en la gran nevada que recubre la cordillera Pirenaica. Podemos disfrutar de estas maravillosas vistas que nos ofrece la naturaleza gracias a la ausencia de nubes y la elevada altura que alcanzan los aviones.

De la composición destacaría la posición del ala del avión, queda pegada y recortada sobre el margen izquierdo y encuadra el resto del paisaje, el cual ocupa más de 2/3 de la imagen.

Esta fotografía me evoca libertad por esa sensación de infinidad que parece no terminar, también me gusta por la presencia del avión que indica el progreso y la evolución. Es una mezcla entre naturaleza libre y creación humana.

Me gustaría compartir con vosotros una curiosidad, la fotografía más cara de la historia http://www.20minutos.es/noticia/1222389/0/foto-mas-cara/de-la-historia/adreas-gursky/

MADRID…PRIMERA PARADA ¡EL PRADO!

Tal y como conté en mi última actualización, mi viaje a Madrid, fue fascinante; pero una de las visitas que mas llevaba esperando durante muchísimo tiempo, fue plantarme delante del cuadro de las meninas y contemplar tal obra; y por fin uno de mis deseos de hizo realidad.

Nada más llegar a la capital, fue mi primera parada, Paseo del Prado en busca de ese gran edificio que me llevara a contemplar tal obra de arte.

Llegamos, primeras fotos en la increíble escultura que hay en la parte que da al Paseo del Prado, y por fin con la entrada sacada y durante un ratito de cola, entramos a este magnífico lugar; creo que todavía no creía lo que por fin estaba a punto de suceder, estaba nervioso y todo, por fin iba a poder disfrutar de tal majestuosa obra de arte, que después de haberla dado en clase, recordaba cada detalle de la obra, del pintor y de cada minuciosidad que el intentó plasmar en el lienzo.

No fue mi primera parada, el museo tiene unas dimensiones increíbles, y de camino, vimos bastantes obras de arte, algunas conocidas y dadas en clase de historia del arte, y otras no conocidas pero que me llamaron bastante la atención.

Otras de las obras que vi, el famoso “Jardín de las Delicias” obra de El Bosco, y de dimensiones increíbles. Como nos comentó Victoria, profesora de Historia del Arte, la minuciosidad descriptiva que adquiere esta obra es brutal, cada detalle es magnífico y verlo desde tan cerca, ensombrece a cualquiera de los espectadores que lo visite.

Después de una hora, paseando por debajo y contemplando las bellísimas obras que el teatro exponía, nos dispusimos a subir a la parte de arriba, el cuadro de Velázquez estaba cada vez más cerca de ser visto por mí, tenía muchísimas ganas, y como antes comenté, estaba incluso nervioso.

Por fin, y después de encontrar la sala en la que se encontraba, tal lienzo me dejó pasmado, no pude parpadear después de ver tal obra, no quería irme de allí, tenía ganas de sentarme y contemplar eso a lo que se le denomina obra de arte; i efectivamente lo es, el cuadro de Las Meninas o el también llamado, la familia de Felipe IV, ¡es una gran obra de arte!

 

Retrato de la infanta Margarita, hija de Felipe IV (1605-1665), rodeada de su servicio o “familia” en una sala del Alcázar de Madrid.

El cuadro más famoso de Velázquez encierra una compleja composición construida a partir de una admirable habilidad para el uso de la perspectiva, de la plasmación de la luz y de la representación de la atmósfera.

Las interpretaciones sobre el tema y la plasmación del mismo han sido múltiples. Las más numerosas subrayan la reivindicación de la nobleza de la pintura frente a las prácticas artesanales. Velázquez se autorretrata pintando el propio cuadro a la izquierda del lienzo, afirmando así la supremacía del arte de la pintura. La infanta Margarita (1651-1673), vestida de blanco, aparece rodeada en el centro de la composición por sus damas de compañía, las “meninas” María Agustina de Sarmiento e Isabel de Velasco, dos bufones de la corte, María Bárbola y Nicolasito Pertusato, y un perro mastín. Detrás de ella, aparecen conversando un guardadamas, la dueña Marcela de Ulloa, y, en la puerta, al aposentador José Nieto.

Los reyes, Felipe IV y Mariana de Austria (1634-1696), se reflejan en el espejo del fondo, dando lugar a un juego espacial de extraordinaria complejidad.

(Galería OnLine – Museo del Parado)