Embalse de Benageber

Fotografía del embalse de Benageber

En esta fotografía podemos observar un paisaje con una puesta de sol. Vemos el embalse de Benageber con abundante agua y una isla en el centro, todo esto bordeado de frondosos pinos.

He escogido esta imagen porque verla me da tranquilidad, me relaja y a la vez me alegra, ya que con todas las malas noticias que hay hoy en día (contaminación, incendios, sequía…) ver este paisaje consigue alejar todas estas cosas un poco y hacerme pensar en que también hay cosas bonitas en el mundo, aunque no sean noticia.

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El paisaje nórdico en el Prado

Debo reconocer que la idea de visitar museos o exposiciones de arte no me había atraído demasiado antes.Sin embargo,a veces te puedes llegar a sorprender de la facilidad con la que cambias de opinión cuando vas a una exposición con ganas de descubrir y aprender. Y es que hace días tuve la suerte de poder disfrutar de una en el Centro del Carmen,en la que se exponían los diferentes paisajes que surgieron durante el S.XVIII en Flandes y en Holanda.

La verdad,es que desde que se proyectaron las primeras obras de la Escuela Flamenca en clase he tenido mucha curiosidad por la pintura de este movimiento y he investigado un poco sobre los artistas flamencos más conocidos.Es por esta razón por la que no me pude resistir a visitarla cuando una amiga me comentó que habia escuchado que habían inaugurado en Valencia una exposición en el Carmen que exponía trabajos de pintores, como Rubens, Brueghel y Lorena.

Entrada al Centro del Carmen. Valencia.

En la exposición de arte podemos ver como los diferentes tipos de paisajes expuestos evolucionan a través de 43 obras de los autores más importantes de la conocida pintura nórdica, como Peter Paul Rubens, Pieter Brueghel el Joven o Jan Brueghel el Viejo.La distribución de estas obras, una vez que entras en el recinto te puede llegar a confundir un poco, por lo menos a mí,hasta que al ir caminando por la exposición se puede ver como las obras se presentan en 9 secciones que se distribuyen por las diferentes salas del recinto y que siguen un recorrido lineal.

Con respecto a la forma en la que se presentan las obras de arte,me parece que se crea un ambiente muy acogedor en torno a ellas en el que la atención se centra sobre la obra a través de una iluminación colocada en el techo que ilumina solamente a esta.Las paredes estan pintadas con un intenso morado que da calidez a las salas de la exposición y es en ellas donde están colocadas las cartelas de las diferentes secciones, en las que se hace una breve introducción al paisaje expuesto. Por otra parte, las cartelas que muestran los nombres de las obras,su autor y una breve explicación de estas, están colocadas debajo de cada pintura a ras del suelo.

Una vez allí,muchas de las obras me impresionaron todavía más al verlas en frente mio, no solo por el tamaño de algunos de los lienzos como Acto de devoción de Rodolfo I de Habsburgo o Asedio de Aire-sur-la-Lys, sino también por la minuciosidad y la delicadeza con la que pintaban los paisajes. De hecho, la fidelidad con la que en estos paisajes se representa la naturaleza y la luz natural es realmente increíble en la mayoría de las obras, como en El puerto de Ámsterdam en invierno o Paisaje con pescadores y pastores a la orilla de un río,una obra que me llamó la atención porque al revés que el resto muestra un paisaje más angosto.

Asedio de Aire-sur-la-Lys.bPeter Snayers.1653

El puerto de Ámsterdan en invierno. Hendrick Jacobsz Dubbels.1656-1660

Entre las obras que más me gustaron de la exposición destacaron dos sobre las demás, como Atlanta y Meleagro cazando el jabalí de Calidón, porque el paisaje del bosque de la pintura me encantó desde el primer momento,y Paisaje con una monja mercedaria,por el contraste entre la luz y la sombra que utiliza el artista para enmarcar de cierta manera el paisaje del fondo por un lado y destacar la figura de la mujer por otro.Aunque también me llamó bastante la atención las obras Las cuatro partes del mundo: África y América,pues contrastaba con el resto de las obras tanto por su composición como por su tamaño.

Atlanta y Meleagro cazando el jabalí de Calidón. Peter Paul Rubens.1635-36.

Paisaje con una monja mercedaria. Claudio de Lorena.1636-39

En general, la exposición me gusto bastante y recomiendo ir a visitarla a cualquiera que tenga la oportunidad,porque aunque no conozcas muy bien las obras se explica de forma muy clara las características principales de la llamada pintura nórdica y esto hace que la exposición sea accesible para cualquiera que sienta un poco de curiosidad.

Por ultimo, para todo aquel que le interese y no tenga la posibilidad de ir os dejo el link de una galeria online en las que podeis ver la mayoria de las obras de la exposición.

http://www.museodelprado.es/exposiciones/info/fuera-del-museo/rubens-brueghel-lorena-el-paisaje-nordico-en-el-prado-copia-1/listado-de-obras

Absolut Art Collection

 

Absolut Art Collection, es una campaña de la empresa sueca Absolut de vodka que fusiona arte, publicidad e innvovación. Esta colección surgió de la idea de Michael Roux, representante de la firma en EE.UU., de que Andy Warhol interpretara artísticamente su botella. A partir de aquella colaboración entre la compañía y el artista, se sucedieron más de 300 obras de renombrados artistas dentro del mismo proyecto. Además, esta idea sirvió para publicitar la marca, como para dar a conocer la obra de cada artista.

 

Interpretación de Andy Warhol

 

Interpretación de Keith Haring

 

Interpretación de David Levinthal

 

Interpretación de Kenny Scharf

 

Interpretación de Ed Ruscha

 

Interpretación de Julia Wachtel 1989

 

Interpretación de Javier Mariscal

 

Interpretación de Louise Bourgeois

 

Interpretación de Oscar Mariné

 

En mi opinión, esta iniciativa de aunar en una misma obra publicidad y arte es muy interesante, ya que se logra un mayor conocimiento de ambos, tanto del producto que se quiere vender, como de los artistas.

Dando rienda suelta a vuestra imaginación…

 

Mi imagen, una de las imágenes que podría definir como recuerdo de una semana santa en Alemania.

Este viaje lo podría describir como la primera salida al extranjero de unos amigos, para ver a una de nuestras compañeras que se encontraba estudiando allí, en Alemania, en Heidelberg.

El año pasado, unas amigas y yo, tuvimos la suerte de viajar hasta este país. Fue una experiencia única, conocer unas costumbres típicamente alemanas fue lo que nos llevó a prepararlo todo y a volar.

¿Porque he elegido esta imagen y no otra? Me gusta la idea de claro y oscuro; y me encanta la idea de silueta. La silueta, línea que define a una persona, línea que separa lo oscuro de lo claro, línea que deja mucho que desear a la imaginación, porque en realidad esta línea no sabes hasta dónde sería capaz de llegar en la mente privilegiada de cada una de las personas.

En la imagen, se ven claramente las dos siluetas de dos personas, por lo que se ve, imaginamos que son dos chicas, que se miran fijamente, que aguantan sus miradas con el fin de plasmar una instantánea. Dos amigas que,  prefieren en este mismo instante compartir esa mirada la una con la otra, y dejar de ver esa puesta de sol que da lugar a una bonita noche sobre ese magnífico mirador.

Puesta de sol que podemos ver claramente y en segundo plano bajo la intensa mirada de estas dos muchachas. Los colores amarillentos, dejan entrever que el sol está bajando a la ciudad y está dando pasa a un momento de oscuridad como puede ser la noche; noche que por lo que recuerdo fue perfecta en cuanto a cielo estrellado.

Volviendo a la idea de silueta, y volviendo a remarcar que es el fin de la oscuridad y el principio del color, e incitando a llevar a la imaginación a intentar describir o imaginar lo que serán estas dos muchachas, solo diré, que una de ellas es estudiante de Pedagogía, y que la otra lo es de Medicina. Ahora, creo que ya pueden darle al coco e imaginar, conocer e inventar sus historias.

Un único apunte más, sus siluetas se alzan sobre un magnifico mirador a las afueras de Heidelberg, pueblo que visitábamos, y donde nos hospedamos. Recuerdo que desde ahí, las vistas de la ciudad eran realmente increíbles, y que cada rincón que la ciudad intentaba ocultar desde allí era visible.

THE NATIONAL GALLERY

Durante mi viaje a Londres tuve la suerte de visitar The National Gallery. Fue una experiencia en la cual disfruté muchísimo.

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Este museo recoge pinturas procedentes de diferentes partes de Europa y de todos los períodos, desde el siglo XIII hasta el siglo XIX. Es uno de los museos de pintura más importe en el mundo.

Fue una experiencia bonita ya que pude ver obras de arte citadas durante las clases de Historia del Arte.Fui con mis padres y mi hermano. El arte no es un ámbito muy presente en sus vidas ya que mis padres son médicos y mi hermano fisioterapeuta. Entonces yo pude explicarles ciertas características que había aprendido en los análisis de las obras durante las clases.

En la National Gallery encontramos artistas muy importantes como Botticelli, Leonardo da Vinci, Durero, Miguel Ángel, Rafael, Tiziano, Caravaggio, Velázquez, Vermeer, Van Gogh o Monet, entre otros muchos.

 

Una de las obras que más me impacto fue “El caballo Whistlejacket” pintado hacia 1762 por George Stubbs (1724-1806). Es un óleo sobre lienzo con unas dimensiones de 292 cm por 246,4 cm.

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Lo que más me impresionó de este cuadro fue como de real era el caballo. Parecía una fotografía. Cualquier detalle del caballo estaba pintado. Había visto este cuadro en libros pero nunca me había imaginado que fuera tan real.

Al verlo me recordó la clase en la que comentábamos que en la antigüedad se pintaban a los caballos con las piernas de delante y las de detrás estiradas a la vez cuando saltaban y como con el tiempo se fue realizando estudios de ellos y se dieron cuenta de que no ocurría así sino que estiraban primero las de delante y luego las de atrás. 

En este cuadro podemos ver esa evolución y como se pinta la propia realidad.

Este retrato de un caballo encabritado, casi de tamaño natural, se considera la obra maestra de Stubbs. En él está representado Whistlejacket. Fue pintado para el marqués de Rockingham, propietario y entendido en caballos de carreras. Stubbs lo pintó hacia 1762, justo después de haber sido retirado el caballo tras ganar una durísima carrera en 1759. Stubbs lo pintó dos veces, la segunda con su mozo de cuadra y otros dos corceles. 

En el cuadro contrasta el caballo sumamente acabado y tridimensional con el inesperado fondo neutro, sin el menor acompañamiento. Los cascos traseros del corcel proyectan sombras, la única zona del fondo le sugiere espacio, una superficie horizontal que recibe el peso del animal. Las sombras, además de centrar la atención en las fuertes patas y los cascos finos, atributos típicos de los caballos árabes, indican la dirección de la luz. Otros rasgos del corcel árabe los podemos encontrar en la cabeza: pequeña, de ojos salientes y narices anchas. Esta raza de caballo era muy codiciada por su resistencia, inteligencia y carácter.

 

El Arte como inspiración

Las  obras de arte han servido de inspiración a producciones contemporáneas, como puede ser la publicidad.

En muchas ocasiones frente al televisor, sin darnos cuenta de lo que estamos viendo, puede estar relacionado o basado en una obra de arte. Además, no hay que descartar la posibilidad de que la publicidad también sea considerada arte. Normalmente la gente tiene equivocado el concepto de arte, de que es solo aquello que con el paso del tiempo se revaloriza.

Con las siguientes imágenes quiero demostrar que el arte esta presente hasta en los medios más tecnológicos y que no tienen por que adquirir un soporte estándar.

           

      La Gioconda,1503-06. Leonardo da Vinci                 Anuncio de champú

La última cena, 1494-97. Leonardo da Vinci

Publicidad de jeans de Marithe y Francois Girbaud

              

               Manneken Pis, Bruselas                                       Anuncio de vodka

Yves Saint Laurent. El Arte de la Publicidad

La estrecha relación que ha existido desde el nacimiento de la publicidad entre esta y el arte nunca ha sido un secreto y se puede observar en un gran numero de ocasiones.De hecho, en la actualidad ambas se siguen complementando, apoyándose la una sobre la otra para conseguir otros aspectos fundamentales, como la creatividad y la originalidad.

Por esta misma razón,no nos sorprende que los publicistas se hayan basado en muchas ocasiones en el mundo del arte y un buen ejemplo de ello es la campaña lanzada el año 1999 de Yves Saint Laurent que os traigo hoy, un llamativo y artístico trabajo a cargo del fotógrafo Mario Sorrenti.

En esta campaña, protagonizada por los conocidos modelos Kate Moss y Scott Barnhill, los publicistas vieron una excelente oportunidad para fusionar la colección de moda con el arte.Es por ello, que en ella se pretende recrear algunos de los cuadros más famosos de la historia del arte, jugando con los elementos de las obras originales y creando cierta ambigüedad entre los roles de las figuras femeninas y masculinas, toque que le dio cierta actualidad.

Actualmente, la campaña es admirada como una de las grandes dentro de la moda, ya que mantiene el escenario de las fotografías lo más cercano posible a las distintas obras de arte que consigue emular.

Desayuno sobre la hierba. Edouard Manet.1862

Las Tres Gracias. Jean-Baptiste Regnault.1799

Gabrielle d’Estrées y una de sus hermanas.1594

Olympia. Edouard Manet.1863

Desnudo masculino sentado al borde del mar. Hippolyte Flandrin.1836

El Sueño.Gustave Courbet.1866

La Magdalena penitente de la lamparilla.Georges de la Tour.1776-1780.

La venus del espejo.Diego Velázquez.1649-51

El cerrojo.Jean-Honoré Fragonard.1780

La bañista de Valpincon.Ingres.1808

Mona Lisa.Leonardo Da Vinci.1504-1518